Erich von Stroheim (1885–1957): El Maestro del Cine Silente y la Decadencia Humana

Primeros años y orígenes familiares

Erich von Stroheim nació el 22 de septiembre de 1885 en Viena, Austria, en un contexto que, aunque rodeado de misterio, dejaba entrever una serie de rasgos que marcarían su vida y obra. A pesar de que él mismo cultivó el enigma en torno a sus orígenes, declarando que provenía de una familia noble centroeuropea, pocos son los datos precisos sobre su ascendencia. El mismo Stroheim, al insistir en su linaje aristocrático, alimentaba la leyenda de un pasado glorioso que no dejó de ser una construcción que alimentaba su imagen personal. Se sabe, sin embargo, que estudió en la Academia Militar de Viena, donde se formó en la disciplina que marcaría sus primeros años de vida.

Durante casi una década, Stroheim estuvo involucrado en el ejército austriaco, pero en 1909, después de una serie de sucesos inciertos, se trasladó a Estados Unidos, supuestamente tras haber desertado de sus responsabilidades militares. La huida hacia un nuevo continente no fue solo geográfica, sino también existencial, pues Stroheim dejó atrás el rígido y controlado ambiente militar para lanzarse a un mundo desconocido, que aunque lleno de promesas, también lo confrontaba con una realidad más dura y sin la seguridad de su pasado europeo.

Un nuevo comienzo en Estados Unidos

Al llegar a Estados Unidos, Stroheim se dedicó a trabajos diversos para sobrevivir, comenzando con empleos menores y, eventualmente, encontrando su lugar en el cine. En sus primeros años en América, fue actor, cantante de “music-hall”, y presentador de desfiles de modas, ocupaciones que le permitieron entender las dinámicas del espectáculo. A la par, también mostró interés por la escritura, lo que lo llevó a explorar el mundo de las novelas baratas y las obras de teatro, un entorno creativo que lo prepararía para su futuro en el cine.

Fue en el cine donde Stroheim comenzaría a gestar su verdadera carrera. Empezó como extra y especialista en películas de bajo presupuesto, pero rápidamente se dio cuenta de que la industria cinematográfica era su verdadero destino. Su debut en la pantalla se produjo en 1914, con la película El capitán Macklin, dirigida por Jack Conway, donde comenzó a colaborar con el director John Emerson. Sin embargo, fue su relación con David Wark Griffith, el cineasta que revolucionó el cine con El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916), la que marcaría un punto de inflexión en su vida.

Griffith no solo lo formó como actor, sino que también le enseñó los secretos detrás de la dirección cinematográfica. En Intolerancia, Stroheim no solo participó como actor, sino que también fue ayudante de dirección, una experiencia que le permitió absorber la complejidad y la audacia del cine de Griffith. Esta influencia quedó reflejada en la forma en que Stroheim utilizaría el espacio y el tiempo en sus propios trabajos, buscando siempre transmitir la historia de una manera visualmente impactante y a través de detalles complejos, elementos que se convertirían en características de su estilo personal.

El ascenso a la dirección: Blind Husbands y su sello personal

Gracias a la relación con Griffith y otros cineastas como Raoul Walsh, Stroheim logró el apoyo del productor Carl Laemmle, propietario de Universal, lo que le permitió dar el siguiente gran paso en su carrera: la dirección. En 1919, Stroheim estrenó su primer largometraje como director, Blind Husbands. La película fue una adaptación de una obra teatral escrita por el propio Stroheim, que ya comenzaba a forjar el perfil de su personaje cinematográfico: el oficial prusiano frío, distante, y déspota. En este filme, Stroheim no solo dirigió, sino que también actuó, asumiendo el papel de un militar aristocrático obsesionado con el placer y el lujo.

El éxito de Blind Husbands le permitió continuar su carrera en Universal, donde el productor Laemmle le financió varios proyectos, entre ellos La ganzúa del diablo (1920) y Esposas frívolas (1922). En estos trabajos, Stroheim comenzó a perfeccionar el estilo que lo haría famoso: la crítica social a la aristocracia decadente, la obsesión por los excesos y el lujo, y la creación de personajes cuyo cinismo y frialdad resultaban impactantes. Stroheim se convirtió en el arquetipo de un director que no temía explorar los aspectos más oscuros y complejos de la naturaleza humana, especialmente aquellos relacionados con el deseo, la corrupción y la muerte.

En Esposas frívolas, Stroheim utilizó un lujoso set en los estudios Universal para crear una réplica de la Plaza Central de Montecarlo, algo inaudito en la época. A través de esta ostentosa producción, Stroheim abordó la decadencia de la aristocracia europea, en un relato que, aunque criticaba las costumbres burguesas, también se adentraba en la exploración de la moralidad humana en situaciones extremas. El rodaje de esta película fue una muestra de la naturaleza obsesiva de Stroheim: a pesar de los desafíos de producción, el director se negó a reducir el metraje de la película, lo que resultó en un producto final que, a pesar de sus dificultades de distribución, mostró la valiente transgresión estilística que Stroheim pretendía lograr.

La controversia de la moralidad y los excesos

En sus primeros años como director, Stroheim no solo luchó contra las convenciones comerciales y artísticas de Hollywood, sino también contra la moralidad de la época. A menudo, sus películas incluían escenas explícitas de decadencia y lujuria, que eran difíciles de aceptar para un público estadounidense que se mantenía bajo el yugo de un puritanismo moral. Esto quedó particularmente claro en Esposas frívolas y Avaricia (1924), una película que se convirtió en una de sus obras más controvertidas.

En Avaricia, Stroheim adaptó la novela McTeague de Frank Norris, una historia que exploraba los oscuros recovecos del alma humana. La película, inicialmente de siete horas de duración, tuvo que ser editada drásticamente por la presión de los productores, quienes consideraban que una película tan larga era inviable comercialmente. A pesar de la censura a su visión original, Avaricia se consolidó como una de las grandes aportaciones del cine mudo, mostrando el enfoque único de Stroheim hacia la psicología de sus personajes y su habilidad para construir una atmósfera de tensión emocional.

Stroheim no temía ir contra la corriente, y esa fue una de las claves de su estilo y legado. Desde su inicio, desafió las expectativas tanto del público como de la industria, proponiendo un cine de gran formato, con tramas complejas y personajes llenos de contradicciones, siempre con una mirada crítica hacia las estructuras sociales y económicas de su tiempo.

El desarrollo de su carrera: Ambición y controversia

Primeros logros y ascenso en Hollywood

A medida que Stroheim continuaba desarrollando su estilo único, su carrera despegó de manera significativa con Blind Husbands (1919). Sin embargo, fue en sus siguientes proyectos donde verdaderamente empezó a definir lo que sería su sello cinematográfico: una crítica feroz a la aristocracia decadente y una exploración de los aspectos más oscuros de la naturaleza humana. Después de Blind Husbands, Stroheim continuó trabajando estrechamente con Carl Laemmle, el propietario de Universal, quien le brindó la oportunidad de dirigir La ganzúa del diablo (1920), otra de sus obras en la que se acercaba a temas de codicia, lujuria y el egoísmo humano, reflejando un contexto de crítica social dentro del cine de la época.

El gran avance en su carrera llegó con Esposas frívolas (1922), un filme que, aunque inicialmente fue un desafío tanto en términos artísticos como comerciales, le permitió mostrar su capacidad para manejar grandes producciones. El rodaje de esta película fue histórico: Stroheim mandó construir una réplica a escala real de la Plaza Central de Montecarlo, lo que elevaba la película a un nivel técnico y artístico sin precedentes. Sin embargo, el ambiente de trabajo fue tenso debido a las tensiones entre el director y los productores. Stroheim quería un producto final de seis horas dividido en dos partes, lo que resultaba inaceptable para los distribuidores de la época. Esta controversia fue solo el comienzo de las fricciones que marcarían el resto de su carrera.

A pesar de la oposición y las dificultades de producción, Esposas frívolas incluyó una de las características más definitorias de su estilo: la crítica a las convenciones sociales y el comportamiento de la élite, todo presentado a través de una narrativa cargada de tensión, inmoralidad y decadencia. En la película, Stroheim explora los excesos de la aristocracia, lo que refleja su propia visión pesimista de las clases altas como seres atrapados en una espiral de vanidad, lujuria y descomposición moral.

El cine de Stroheim: el director como transgresor

Stroheim no solo utilizó su posición como director para ofrecer historias que desafiaban los valores de la sociedad de su época, sino que también luchó constantemente por tener el control total sobre su visión artística. Este deseo de autonomía en la dirección fue un rasgo distintivo de su carrera y lo que finalmente lo llevó a una serie de conflictos con los estudios cinematográficos, quienes preferían una producción más sencilla y menos arriesgada.

Este enfoque se hizo más evidente en Avaricia (1924), una de las películas más ambiciosas y famosas de Stroheim, que sigue siendo considerada una de las obras más representativas del cine mudo. Basada en la novela McTeague de Frank Norris, la película abordaba temas como la avaricia, los celos y la brutalidad humana, presentando una visión nihilista del hombre moderno. La película fue originalmente concebida con un metraje de siete horas, lo que le permitió a Stroheim explorar minuciosamente los detalles de sus personajes y sus emociones más profundas. Sin embargo, debido a la presión de los productores, especialmente Irving Thalberg de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), el metraje fue reducido significativamente, resultando en un producto final mucho más corto.

A pesar de la reducción, Avaricia es un claro ejemplo del estilo único de Stroheim, que se caracteriza por su obsesión con la perfección en la puesta en escena, los detalles y la creación de atmósferas cargadas de tensión. A través de los años, Avaricia ha sido reconocida como una de las grandes obras del cine mudo, con una narrativa profundamente emocional que se centra en las pasiones humanas más oscuras, utilizando a los personajes como vehículos para explorar la moralidad y la decadencia.

La ambición de Stroheim no solo estaba en sus obras más largas, sino también en sus esfuerzos por crear una atmósfera en la que los elementos visuales y sonoros trabajaran en conjunto para transmitir la emoción de la historia. Stroheim no temía ser audaz, y su cine era conocido por sus tomas largas, su uso meticuloso del espacio y su habilidad para crear momentos de gran tensión dramática.

La viuda alegre y el cambio en la industria del cine

Aunque Stroheim estaba profundamente comprometido con su visión artística, la industria de Hollywood comenzaba a cambiar. En la década de 1920, el cine sonoro empezó a marcar el rumbo de las producciones de Hollywood, lo que supuso un desafío para los cineastas que habían triunfado en el cine mudo, como Stroheim. A pesar de la llegada del sonido, Stroheim logró dirigir una de las operetas más conocidas de la época: La viuda alegre (1925). Sin embargo, esta película representó un punto de inflexión en su carrera.

Stroheim, conocido por su meticuloso control sobre las producciones, luchó para adaptarse al nuevo formato y al enfoque más comercial que demandaban los estudios. En este contexto, La viuda alegre fue una película algo más sencilla en comparación con sus obras anteriores, y aunque cumplió con los requisitos comerciales, no logró reflejar completamente el estilo ambicioso y complejo que caracterizó sus mejores trabajos.

Por si fuera poco, Stroheim no tuvo control sobre el montaje final de la película, lo que le resultó frustrante. La experiencia con La viuda alegre fue solo una de varias en las que Stroheim se vio forzado a adaptarse a las nuevas realidades de la industria, pero su cine siempre reflejó un desdén por las restricciones comerciales, lo que se convirtió en una de las razones de su caída en Hollywood.

El fin de una era: La marcha nupcial y la reina Kelly

A finales de la década de 1920, el cine de Stroheim comenzó a sufrir las consecuencias del cambio en la industria y de la percepción negativa que muchos productores tenían de su estilo y sus exigencias. Películas como La marcha nupcial (1927) y La reina Kelly (1928) fueron ejemplos de cómo la industria de Hollywood comenzaba a distanciarse de su enfoque meticuloso y experimental.

En La marcha nupcial y La reina Kelly, Stroheim tuvo dificultades no solo con la producción, sino también con las expectativas comerciales de los estudios, que se alejaron del tipo de cine que él deseaba crear. La transición al cine sonoro y las nuevas dinámicas de producción llevaron a un desenlace que parecía inevitable: Stroheim dejó de ser la figura dominante que había sido en los primeros años del cine mudo.

Últimos años y legado

El declive en Hollywood: la llegada del cine sonoro

Tras el fracaso comercial de sus últimos proyectos como director, Stroheim se dio cuenta de que su tiempo como director de cine había llegado a su fin. La industria del cine estaba cambiando a un ritmo acelerado, y la transición al cine sonoro, que comenzó a finales de la década de 1920, fue un golpe devastador para cineastas como él, cuyo estilo estaba profundamente arraigado en el cine mudo. El sonido en el cine trajo consigo una nueva dinámica de producción y un enfoque narrativo diferente, lo que resultó en la disminución de la popularidad de Stroheim dentro de los estudios de Hollywood.

Los productores y estudios de cine estaban más interesados en proyectos que pudieran generar grandes ganancias a corto plazo, en lugar de invertir en las ambiciosas y complejas visiones de directores como Stroheim. Con los años, la industria comenzó a cambiar de forma más radical, y los grandes realizadores de la era del cine mudo fueron siendo desplazados por una nueva generación que se adaptó mejor al cine sonoro y a las nuevas demandas del mercado.

El regreso como actor

Con el fin de su carrera como director, Stroheim se volcó nuevamente en la actuación, donde continuó encontrando papeles interesantes y colaboraciones con importantes directores de la época. Aunque no alcanzó la notoriedad que tuvo como director, Stroheim logró destacarse en varias producciones clave que le permitieron seguir siendo una figura relevante dentro del cine de la época.

Uno de los proyectos más destacados en esta fase fue La gran ilusión (1937), dirigida por el renombrado cineasta francés Jean Renoir. En esta película, Stroheim interpretó a un oficial alemán durante la Primera Guerra Mundial, y su actuación fue aclamada por su profundidad y complejidad. La gran ilusión es considerada una de las grandes obras del cine de todos los tiempos, y la actuación de Stroheim es uno de sus aspectos más memorables. Esta película marcó el renacimiento de Stroheim como actor, y su contribución al cine europeo fue significativa.

A lo largo de la década de 1940, Stroheim continuó actuando en una serie de películas, destacándose especialmente en Cinco tumbas al Cairo (1943) y El crepúsculo de los dioses (1950), ambas de Billy Wilder. En esta última, Stroheim interpretó un papel que resonaba con su propia experiencia en Hollywood: un director de cine caído en desgracia. Esta interpretación fue una especie de metáfora de su propia vida y de cómo el cine lo había absorbido y, al mismo tiempo, lo había dejado atrás. La película fue un éxito tanto comercial como crítico, y la interpretación de Stroheim se destacó como una de las mejores de su carrera tardía.

El legado de Stroheim: un cineasta esencial

Erich von Stroheim dejó una marca indeleble en la historia del cine. Aunque su carrera como director fue relativamente corta y estuvo plagada de conflictos con los estudios, su influencia en la evolución del cine es innegable. Stroheim fue uno de los primeros cineastas en utilizar el medio para hacer una crítica social profunda y compleja, mostrando los aspectos más oscuros de la naturaleza humana, como la avaricia, el deseo, la desesperación y la decadencia. Sus películas fueron pioneras en la creación de una atmósfera emocionalmente cargada, utilizando el espacio y el tiempo de manera innovadora.

A través de su obra, Stroheim contribuyó a la construcción del cine como un medio de expresión artística capaz de confrontar a la sociedad con sus propias contradicciones. Su estilo único, caracterizado por su atención al detalle, sus largos planos y la tensión emocional que generaba en sus historias, lo convirtió en un cineasta fundamental, tanto para la historia del cine mudo como para el cine en general.

Aunque muchos de sus proyectos más ambiciosos fueron mal recibidos en su momento, hoy en día su legado ha sido reevaluado y reconocido. Películas como Avaricia (1924) y Esposas frívolas (1922) son ahora consideradas obras maestras del cine mudo, y Stroheim es visto como uno de los grandes visionarios de la historia del cine. Su capacidad para crear personajes complejos y su enfoque detallado sobre la psicología humana continúan inspirando a cineastas contemporáneos.

Un cineasta de su tiempo y un visionario atemporal

El impacto de Stroheim no solo se limita a sus propias películas, sino que también dejó una huella en generaciones posteriores de cineastas. La forma en que abordó los temas del poder, la decadencia y la moralidad de las clases altas en sus películas fue una influencia directa para directores como Billy Wilder, quien más tarde lo eligió para interpretar en El crepúsculo de los dioses (1950), una película que abordaba de manera metatextual la historia de un director de cine que, al igual que Stroheim, había caído en desgracia.

El trabajo de Stroheim también influyó en cineastas posteriores como Orson Welles, quien admiraba la complejidad de sus personajes y su uso innovador del espacio cinematográfico. Además, su habilidad para crear una tensión palpable y su enfoque en el realismo social lo hicieron una figura esencial para el desarrollo del cine como un medio artístico maduro.

A pesar de las dificultades que enfrentó en su vida y carrera, Erich von Stroheim sigue siendo una de las figuras más fascinantes y fundamentales del cine clásico. Su legado perdura, no solo como director, sino también como actor, escritor y un pionero cuya visión artística nunca dejó de desafiar las convenciones de la época.