Caravaggio, Michelangelo Amerighi (1573-1610).

Pintor italiano, nacido en Milán en 1573 y muerto en Grosseto en 1610. Hijo de un arquitecto de Milán, se formó en el taller de su padre, pasando en 1584 a ser aprendiz del pintor Peternazo. Se supone que realizó un viaje a Venecia, antes de su traslado a Roma, sobre 1592. Los primeros años de su estancia en la ciudad trabajó en el taller de Arpino, pintando flores y frutas, y allí trabó amistad con pintores como Gramatica, Orsi y Minniti.

Hacia 1594, el cardenal Francesco María del Monte lo tomó bajo su protección, y ejerció un severo control sobre su obra juvenil. Para él, realizó los frescos del gabinete de alquimia. El cardenal fue muy importante en la formación teórica de Caravaggio; para su colección realizó obras como El concierto, Los Jugadores de cartas, La buena ventura, El tañedor de Laúd, la Santa Catalina, La Medusa y, probablemente, el Baco. Por mediación del cardenal, Caravaggio entró en contacto con las más importantes familias romanas, para las que empezó a pintar hacia 1599; realizó para los Giustiniani el Retrato de Mujer y el Amor vicioso; para los Barberini, el Sacrificio de Isaac; para los Borghese, el San Jerónimo y el David; para los Mattei, La cena de Emaús.

En 1599 recibió el encargo de la decoración de la Capilla dei Francesi. En 1600 inició los frescos de la capilla Cesari en Santa María del Popolo, y, posteriormente, realizó obras como: El Descendimiento, La Virgen de la serpiente, La Virgen de los Peligros y la Muerte de la Virgen.

En 1606 Caravaggio huyó de Roma, porque había matado a un contrincante en una partida de pelota. Primero fue protegido por los Colonna, pero luego se trasladó a Nápoles, donde permaneció aproximadamente un año; en Nápoles pintó varios cuadros, Siete obras de misericordia, La Virgen del Rosario y el David. En 1608 se trasladó a Malta, donde realizó para la catedral un San Jerónimo y la Decapitación de San Juan el Bautista; del mismo periodo es el Amor dormido, conservado en los Ufizzi. De Manta también tuvo que salir precipitadamente por una pelea. Las etapas de su fuga se conocen por las obras que fue realizando: en Siracusa realiza el Entierro de Santa Lucia, de aquí pasó a Mesina, donde pinta La Adoración de los pastores y la Resurrección de San Lázaro, de allí irá a Palermo, donde dejó una Adoración de los pastores y finalmente pasó a Nápoles, en 1609. Reconocido accidentalmente por los enviados de los caballeros de la orden de Malta, fue agredido y herido. Su vida terminó de vuelta a Roma, atraído por el indulto papal, cuando fue detenido por error y puesto en libertad, en Porto Ecole; murió en la playa abrasado por el sol y abandonado.

La pintura de Caravaggio tiene desde el primer momento una serie de elementos que no le van a abandonar a lo largo de su vida, y que se pueden analizar en una de sus primeras realizaciones:

El Descanso de la huida a Egipto

De composición sencilla, presenta la novedad de introducir al espectador en el espacio pictórico. San José se muestra como un tipo popular copiado de la realidad cotidiana, al igual que los objetos domésticos, como la vasija. El color sirve como complemento de los efectos de luz, utilizándose una gama de ocres, carmines y blancos.

En su juventud realizó una serie de retratos de jóvenes, asociados al estudio de la realidad, que tanto le preocupó. La luz le sirvió como elemento para resaltar las formas anatómicas. Este tipo de obras dio paso después a la pintura de bodegones, por ejemplo; los fruteros que hasta ahora habían sido temas secundarios adquieren una importancia en sí mismos, la luz se utilizó en estos elementos también como un valor diferenciador.

La Cena de Emaús

La figuración se dispone desde un punto de vista teatral, como para una representación. Las figuras adoptan actitudes escenográficas. El gesto determina el sentido dramático. La luz incide directa y violentamente sobre las figuras, cuyos rostros muestran el estudio de la realidad, ya que son propios de personajes populares, de la calle.

La Capilla Contareli

La Capilla Contareli se encuentra en la iglesia de San Luis de los Franceses de Roma. En ella, Caravaggio pintó La inspiración de San Mateo, La Vocación de San Mateo y el Martirio de San Mateo. Con estas obras empezaron los enfrentamientos del artista con los sectores más conservadores de la Iglesia.

En La inspiración de San Mateo realizó una composición en diagonal, propiamente barroca. El personaje fue concebido como un viejo humilde y torpe, tomado de figuras populares. Es un intento de alejamiento de las bellezas ideales, y de acercamiento de la pintura a las capas más bajas de la sociedad.

En La Vocación de San Mateo, el estilo del artista se afirmó por completo, no se adaptaba a la tradición iconográfica, ni al texto bíblico, sino que desarrolló una visión propia y cotidiana. La escena se desarrolló en una taberna romana: Mateo se encuentra entre jugadores de azar, mientras que un rayo luminoso lateral coincide con el brazo levantado de Cristo, que manifiesta un marcado gesto teatral.

En esta obra los contrastes de luz son muy fuertes, remarcándose los claroscuros que darán paso al tenebrismo.

La composición del Martirio de San Mateo está realizada mediante dos diagonales; es una composición teatral y dramática. Se presenta el hecho en todo su drama, remarcado por la forma despavorida del niño, y los gestos de terror de los personajes populares que se apartan del martirio.

Capilla Cesari

Para la Capilla Cesari, en la iglesia de Santa María del Popolo, Caravaggio desarrolló los temas de La Conversión de Saulo y El Martirio de San Pedro.

En la Conversión de Saulo, se encuentra un carácter anecdótico en la composición. El caballo, ,junto con los brazos de Saulo, son los auténticos elementos compositivos. El color es el valor que organiza la composición.

En El martirio de San Pedro la composición se realiza mediante dos diagonales en forma de aspa; no se relata como en la anterior una visión cegadora, sino que se centra en el dramatismo del sufrimiento de un anciano. Se representa una anatomía ajada, y el sentimiento del santo de humillación y resistencia. También Caravaggio trasmite la sensación de soledad, acentuada por la forma de incidir la luz sobre los personajes.

La Dormición de la Virgen

Este cuadro tuvo un gran éxito. En el todos los elementos están dispuestos para acentuar el carácter dramático y teatral de la composición. Los personajes se distribuyen en una diagonal, que tiene su paralelo en la gran cortina roja situada en la parte superior de la escena, y que sirve para equilibrar.

Utilizó una luz focal dirigida a individualizar el tema principal. Se introduce una reducción cromática, que pasa por una gama de ocres, carmines y blancos.

Se ha interpretado como un autentico ejercicio académico de representación de personajes populares. La Virgen se copia de la realidad, Caravaggio utiliza el modelo de una mujer ahogada. Con ello rompió cualquier esquema de la pintura tradicional, no se pretende una irreverencia, sino un acercamiento de los temas básicos de la ideología cristiana, al público más humilde. Su pintura fue entendida por este tipo de público, que acudió en masa a conocerla. También consiguió la atención de las elites romanas.

La acentuación en este cuadro de zonas fuertemente iluminadas y zonas en absoluta penumbra dará paso al tenebrismo.

Cupido

Es un tema mitológico muy tratado en el Renacimiento, pero que va a ser reinterpretado por Caravaggio. Representa la visión de un joven, que a no ser por las alas nada tendría que le identificara con el dios de la mitología.

Hay una vinculación directa con la realidad, en la representación de la anatomía y en cualquiera de los detalles del cuadro; además, consiguió plasmar algo inherente al carácter de Cupido, el aspecto divertido y lúdico del personaje.

Todo este realismo hace que Caravaggio vincule los temas mitológicos a la realidad más inmediata, a lo cotidiano. De tal forma que, sin esta visión de Caravaggio sobre la mitología, difícilmente se pueden entender otros pintores del Barroco.

La naturaleza muerta es un tema importante; hay un estudio muy preciso de elementos como libros, instrumentos musicales, etc. La luz ayuda a remarcar el carácter compositivo de la figuración. El fondo neutro acentúa los contrastes de claroscuro.

: Caravaggio. El entierro de Cristo.

Bibliografía

FONTI, D.: Caravaggio. Madrid, 1980.
FRIEDLAENDER, W.: Estudios sobre Caravaggio. Madrid, Alianza, 1995.
GREGORI, M.: Caravaggio. Madrid, Electa, 1995.
GUTTUSO, R. y OTTINO DELLA CHIESA, A.: Caravaggio. Barcelona, 1968.
PEREZ SANCHEZ, A.: La pintura napolitana de Caravaggio a Giordano. Madrid, 1985.
VV.AA: Caravaggio. Granollers, Marín, 1979.

Autor

Esther Alegre Carvajal